Il valore della reticenza

Lettera di Lucio Pozzi

da New York

Dieci italiani alla Bacca1010 Gallery di San Francisco

Un drappello di artisti italiani ha esposto in uno studio privato a New York. Poi la mostra l'hanno portata in formato più ampio alla Bacca1010 Gallery di San Francisco. Lucio Spinozzi era stato incaricato di portare le opere in USA. È la mostra più esoterica che abbia visto. L'idea è di Claudio Ruggieri, un artista indefinibile. Per darvi un esempio, Claudio conduce saltuariamente una galleria peripatetica che ha chiamato Pinta Piuma. Di base è a Genova ma te la ritrovi ogni tanto qui e là a Milano o altrove. Per le sue inaugurazioni manda non più di due dozzine di inviti agli amici e sostenitori e per la durata della mostra non è facile accedere al luogo che rimane irregolarmente chiuso per lunghi periodi. Dalle mostre singole o di gruppo, però, di solito si vedono venduti quasi tutti i lavori. Claudio ha fatto della reticenza un valore e vanno da lui collezionisti che cercano proprio la forza che si scopre là dove la cultura incanalata non arriva. Gli artisti portati in America erano: lui stesso con dei ritratti intensi a penna, Spinozzi con un'installazione, l'architetto-artista forza sommersa della cultura milanese Corrado Levi con una stampa digitale su tela, e il geografo Luca Muscarà con una mappa colorata. Quest'anno Muscarà ha anche scritto un saggio di presentazione alla piccola esposizione retrospettiva di Spinozzi alla Galleria Michela Rizzo di Venezia. Mancava all' appello americano l'ispirato Giovanni Rizzoli, che nelle gallerie/arte di Ruggieri ha esposto molte volte e che avrebbe potuto esser incluso naturalmente. Ruggieri dipinge pochi quadri all'anno, molto piccoli. Non mantiene uno stile formulaico ma segue !'ispirazione quando e come viene sia in astratto sia in allusioni figurative, come capita. n resto del tempo pensa, visita amici in giro per l'Italia, guarda. Quando vedo come dipinge configurazioni di viso umano, come d'altronde anche quando osservo le figure di Spinozzi, mi sorge immediato il ricordo della pittura di Joseph Sima, un pittore che penso questi due artisti con tutta probabilità non conoscano. Ecco come lo introduceva Roger Gilbert-Lecomte per una mostra circa del 1928 o '29: «Sotto il segno della Faccia Umana vi sono occhi inquieti che contemplano specchi inquietanti dove vivono i loro volti delle profondità». Gli scrittori Gilbert-Lecomte e René Daumal si incontrarono quindicenni sui banchi di scuola e poi fondarono con altri, fra i quali Sima, Roger Vaillant, Maurice Henry, il movimento Le Grand Jeu (Il Grande Gioco), attivo con una rivista dello stesso nome e alcune esposizioni. Durò dal 1928 al 1932. I suoi membri s'erano attribuiti pseudonimi segreti e cercavano tutte le occasioni, tutti i metodi, dalla droga al digiuno, dall’amore all'astinenza, dal camminare a occhi chiusi in una foresta di notte al fermarsi in completa immobilità per ore, per scoprire e perdersi nella realtà che si nasconde dietro le apparenze. Le loro più forti influenze furono Alfred Jarry, l'eccentrico ciclista scrittore inventore della Patafisica e le antiche filosofie mistiche dell'India. I due fondatori morirono giovani rispettivamente nel 1943 e 1944. Quelli del Grand Jeu consideravano i Surrealisti come dei venduti. André Breton, il guru surrealista, tentò di cooptarli ma si vide sbattere la porta in faccia. Non si può definire l'indefinibile come tentava di fare lui. Direi che l'unico compromesso che si concessero in fondo fu di darsi un titolo. Vivere e operare sull'orlo del nulla attira da sempre certi artisti, si pensi ai maestri Zen o ai grandi pittori di oggi come James Bishop, ma qui succede qualcos' altro. Ruggieri e i tanti amici con i quali collabora esistono adesso, proprio quando il mercato è dominato dagli atteggiamentisti. Perfrno la reticenza può diventare un atteggiamento pubblicitario, ma né lui né coloro che con lui mostrano sono un gruppo. Non hanno nessuna ideologia estetica in comune, non fanno nessuna dichiarazione. Non vogliono comprovare niente. Non rifiutano o programmano. Se tentano di spiegare, finiscono per pappagallare frasi ovvie che non gli appartengono.

Sono rimasto molto preso dal rivedere le opere di Spinozzi a Venezia. Piccole cose dense di sensibilità. Non mi piacciono tutte ma l'onda della sua immaginazione è inarrestabile. Egli non è alieno al gioco di parole duchampiano, come quando definisce il quadro «Morfeo all'inverno», 1999, esser fatto con «tecniche mistiche su alluminio». Mi ha detto che preferisce farsi assumere per impieghi qualsiasi per sbarcare il lunario, pur di non diventar dipendente dal mondo dell'arte. Fa gioielli che diventano sculture da portare o da mettere su muro. Quando passi, noti quasi per caso che dall' intonaco esce un' esplosione metallica fatta d'oro scuro. Ex hippie, ex punk, Spinozzi lascia che la mente e la mano siano attivate dai giri misteriosi del pensiero e del tempo. A volte ritocca un quadro per anni. Lo incomincia, per esempio, lasciando colare del succo da due fichi posti sulla tela, come nel quadro “Erosamor”, 1996, per poi attendere e vedere cosa potrà mai rendersi necessario mentre passano le settimane. Le macchie diventano due figure evanescenti intorno alle quali si rivelano ombre metafisiche che più le guardi e più diventano forti. Una tendenza recente in musica internazionale è il Freak Folk, prodotto da musicisti ambiziosi non di farcela alla grande in carriera ma di mantenersi piccoli per poter essere liberi. n loro suono può essere sommesso o gridato, ma tenta di stendersi in uno stato di ispirazione. Hanno connotazioni mistiche ed evitano ovvietà politiche ma poi dedicano tempo al lavoro comunitario di quartiere, come fa il Théatre de la Caudron di Tanith Noble a Parigi. Vengono dalla musica più viva degli anni Sessanta e Settanta ma evitano con cura di imitarne gli atteggiamenti esteriori. Credo che ci siano molti artisti visivi simili, che si mostrano ma nel contempo si nascondono per non diminuire la loro intensità di autori e la nostra di spettatori.

(Il Giornale dell’Arte n. 260 – dicembre 2006)